關於伊瓜蘇（Iguazú）瀑布有許多有趣的傳說故事，其中一則特別吸引我：
相傳古代酋長的女兒愛上了聰明英俊的青年，卻得不到酋長的同意，於是揮淚投進伊瓜蘇河以示對愛情的忠貞不渝，而她灑下的眼淚也化作終年飛流的瀑布。
導演王家衛的作品《春光乍洩》有長達三分鐘俯視伊瓜蘇（Iguazú）瀑布的近景鏡頭，奔騰洶湧，湛藍而壯麗。
傾瀉而下的水是黎耀輝，幾乎失重的速度將感情不計代價擁入何寶榮的胸懷，冒著失足受傷的風險，也要奮力去愛；
奔騰而上的水是何寶榮，激情濃郁的性格像不成熟的大人拈花惹草，急於掙脫水順流的形式，卻始終存著根於水的形式，風流一回終究挨著茁壯他的黎耀輝，一次又一次。
《我心深愛的國王》為演而優則導的法國女導演Maïwenn的最新力作，導演以女性的角度將愛情故事詮釋的細膩又真實，將女主角Tony滑雪遭遇的一場意外作為分界，從復健的過程不斷回溯過去愛情的狂妄，療養身體的疼痛揭開過去心靈為曾痊癒的瘡疤，兩段屬於自己的故事穿插進行，療養院的空間如此極簡、安靜並且色調單一，生活的日常平波無痕，如同窗外粼粼波光的蔚藍海岸；而一段又一段與男主角Georgio的過往如同海浪不斷拍打上岸，內心情感的波濤洶湧，幾乎窒息的佔據腦海的理智防線。兩條故事線創造了電影的起伏，看見了愛情的到來與轉變；寂寞與背叛；夢幻與搖搖欲墜的現實。
《我心深愛的國王》是一部典型的法國浪漫愛情電影，極為樸實的鏡頭和真實的情人生活與對話，總是能讓觀眾投射許多自己的情感；適時添加浪漫巧言妝點愛情初萌芽的全心全意，讓女主角Tony完全住進這位愛情國王建築的城堡裡不願離去，為了愛情願意不切實際、飛蛾撲火。然而這段愛情從Tony懷有身孕開始發生轉變，這個國王愛著公主的幸福童話故事不再純粹，電影充斥著咆哮、憤怒、不諒解等負面的情感，也加重了Georgio和模特兒前女友Agnès的篇幅，不斷抑鬱的Tony早已失去被愛情滋潤的神采，開始依賴藥物撫平自己的情緒。無堅不摧的城堡如今已人去樓空，只剩愛與恨殘存的餘溫填滿失溫的靈魂。
男女主角在這部電影的演技讓本片更加立體，Vincent Cassel演活了都會雅痞男的瀟灑性格，總是遊走在眾多女人之間，對於愛情十分激情也非常狠毒；因此片獲得坎城影后的Emmanuelle Bercot，演技動人且厚實，深刻表演了一位犧牲自己全心為愛付出的女人如何經歷愛情的起承轉合，全片幾乎素顏的敬業演出也讓她的演出更加貼切自然。而飾演女主角弟弟的Louis Garrel，一直是這段愛情的旁觀者，不斷拋出許多諷刺的質問，也同時為本片添加不少風趣的片段。
非常喜歡本片從女主角膝蓋受傷復建作為故事的開端，醫師一段大眾心理學對於膝蓋受傷的分析貫穿本片，提到膝蓋之故也被分析為因不願接受生命的事故而產生的生理疼痛，膝蓋之痊癒也代表著放手與施善，因為膝蓋是身體唯一允許向後彎的關節，映襯在愛情裡人們總是慣性前進，不計風險的向前衝，卻很少往回盼，直到自己用力摔落在愛情裡後，才抽離自己回首那段不顧一切的冒險。片中大量的膝蓋鏡頭特寫，也隨著女主角的回憶有不同的變化，讓兩條故事線巧妙地以極為理性的角度讓女主角重新修復自己的愛情傷痕。
然而愛情從來沒有對錯，即使經歷了風雨洗滌後還是會記得這位國王的神貌，如同片尾兩人眼神的特寫一樣，不用交流還是能察覺彼此在對方心中的地位。
《不過就是世界末日》是天才導演札維多藍執導的第六部作品，集結法國當紅的演員合體飆戲，搭配札維多藍獨特的運鏡方式以及此片電影採取大量的特寫臉部鏡頭，將每個角色的情緒表情放大，讓尖銳的質問、壓抑的欲言又止、咆哮、哭泣、歡笑沒有一絲閃躲空間呈現在大銀幕中，優雅的衝突、親人的分裂、母子關係的愛恨相依，始終在此片中貫穿，再次創造札維多藍的電影魔力。
故事描述男主角路易 ( Louis ) 因患上絕症決定回家坦白此事，一離開便是12年,突如其來的拜訪，讓這個家多了一位最熟悉的陌生人，想要殷情的招待路易像12年的空白時光從沒發生，只想無縫接軌、密合家庭中甜蜜的氣氛，然而每次的對話，每個角色的針鋒相對都讓路易淹沒在爆炸又激烈的爭吵中，本該是歡迎男主角的盛宴，卻一次次因為爭吵和相互不理解毀壞原本建立起的平和飯局，家族成員互相傷害，一個個面臨精神崩潰，淚水、髒話、厭世充斥在電影其中，輔以導演正面、側臉的近距離臉部特寫，讓觀眾直接面對高壓情緒，而路易一次又一次的因為崩盤的團體對談中失去告白的機會，一步一步退回１２年前離開家庭的他，家人過度關愛和關心，已是言不及義的字句，總是被複雜的情緒堆疊掩蓋，讓家庭相親相愛的和睦蒙上一層不被理解的保護罩。
本片呈現方式極為簡潔、寫實，大部分的場景皆安排在房屋之中，搭配角色彼此爭吵謾罵的爭吵幾乎帶來窒息難受的氣息。男主角美好的童年透過場景的轉換穿插詩意的影像和迷離疏遠的配樂，包括童年時家族利用假日的無邪時光，第一次與男友皮耶的初戀、毫無顧忌放蕩的青春時光，藍天草地、慢速菸霧鏡頭和偷歡場景，和男主角居處的現實環境呈現出極大的反差，也暗自揭示男主角對於家鄉喚不回的美好時光的離去理由。
《不過就是世界末日》It's Only the End of the World（原名：Juste la fin du monde ）
整體評價：7.5/10
《怪奇孤兒院》源自於童書改編的奇幻電影，由擅長黑暗、歌德、奇幻風格的知名導演提姆．波頓執導，敘述二次世界大戰時期位於威爾斯石洲島上充滿神秘、魔法的怪奇孤兒院的種種意想不到奇遇，在雕梁畫棟之下，一場穿越時間、空間的冒險即將展開，還融合了動容的親情與愛情，讓《怪奇孤兒院》擁有許多電影元素，滿足各年齡層的喜好。
《怪奇孤兒院》最讓人驚喜的莫過於孤兒院裡擁有各種不同技能的小孩，電影也有足夠的篇幅讓每個小孩的特色一一展現，又每個小孩擁有的技能屬性不同而發展出不一樣的個性，讓這個孤兒院融洽成一個奇異的氛圍，卻莫名可愛與和諧。當然，《怪奇孤兒院》遵循著童話故事的一脈血統，有好人的存在必然有壞人無情的追殺與獵捕，以為看似和平的孤兒院能利用「時空迴旋」留住破壞前的一天，日復一日的往返時間，卻有同樣怪奇家族的邪惡派系為了尋求長生不老而追緝小孩的眼珠走向長生不老的最高境界，而這也是主角傑克目睹爺爺的死訊後從2016年的波浪鎮穿越時空至1943年，尋找爺爺從小在床邊故事時間拿出鐵盒一一介紹自己年少在《怪奇孤兒院》的經歷和解答，也意外開啟一場危險的邪惡勢力對決。
《怪奇孤兒院》在視覺呈現上擁有先天優勢，光是諸位怪奇孤兒的造型與特異功能就能夠漫無邊際施展視覺魔法，幾乎沒有任何限制與邏輯的故事讓《怪奇孤兒院》在二次世界大戰背景下增添古典的衣著風格和建築設計，拋開過度簡約未來感的視覺設計，《怪奇孤兒院》擁有神秘、傳說式的視覺想像，平行時空的概念讓電影虛實難辨，卻生活在每個人豐富綺想的腦袋中。正邪正式交戰時，復古廢棄遊樂園的場景加分不少，充滿歡樂詭譎的氣氛加上骷顱纖細的骨架在結冰的木棧道搖搖晃晃奔跑，清脆的骨頭撞擊聲詭異的讓人不禁讓人發笑，卻同時因為噬魂怪的醜陋面目和攻擊感到恐懼不已，而小孩用雪球和糖果讓噬魂怪現形的戰略，如此童話風格和黑色幽默的衝突撞擊，更是碰撞成一段記憶鮮明的決鬥場面。
《怪奇孤兒院》豐富的劇情就從傑克兒時爺爺每頁的床邊故事開啟，如同一本色彩鮮豔、故事精彩的童話書被開啟，一頁一頁夜夜被反覆細心地閱讀，這些故事得以在時間裡重新復活，就像《怪奇孤兒院》裡的時空迴旋，看似怪奇孤兒們賴以生存的唯一通道，就像每個大人謹守著的美好童年，那些記憶和時光就像時空迴旋裡封藏的燦爛青春年華，只是真實世界不復返。傑克教會了怪奇孤兒們勇敢，讓他們脫離反覆的時空迴旋，踏入時間裡下一個未知的時刻，並等待美好與失落的無聲降臨。然而現實生活的我們沒有主角傑克的奇幻遭遇，卻能擁有每個人童年的床邊故事，只要願意相信並守握著故事裡的美好與幻想，相信生活的艱難與困厄都能像《怪奇孤兒院》的種種難關一樣，華麗又機智的一一突破，和身旁一起奮鬥的人共享生活的狂喜與哀傷。
《怪奇孤兒院》Miss Peregrine's Home for Peculiar Children
曾以《落日車神》（Drive）獲得坎城影展最佳導演的丹麥導演 尼可拉斯溫丁黑芬（Nicolas Winding Refn），這次以詮釋時尚界女性追求美貌喪心病狂的驚悚片題材《霓虹惡魔》，融合導演一貫色彩大膽、鮮明的畫面呈現，虛實交替、幾何符號的暗喻，搭配大量重節拍的電子音樂，重複出現的三稜鏡反射，讓《霓虹惡魔》兼具視覺、聽覺的雙重感官刺激，也同時考驗觀眾對於道德的底線，測試人們對於變態心理的容忍範圍。
《霓虹惡魔》以一位十六歲的小鎮女孩潔西（Elle Fanning飾演）為故事主軸，憑藉著得天獨厚的驚人美貌，自然、清新的樸實樣貌在當時洛杉磯的時尚圈掀起一陣話題。備受寵愛的潔西在時尚圈飛黃騰達，當時初到大城市的她如同一隻驚慌失措的小鹿，一股稚氣未脫、毫不俗艷的氣質深受大牌設計師與模特兒公司喜愛，讓潔西嚐到成功的滋味，也搶走許多入行較久模特兒的工作，凸顯與生俱來的美貌是如此容易取代汲汲營營依靠整容、偏方的人工美女。然而，一隻驚慌失措的小鹿熟悉社會的潛規則後逐漸學會社會生存的法則，極具侵略性且充滿防備；那些工作機會被潔西奪走的女模特兒們也不斷萌生嫉妒與恨的種子，隨著電影色調跟隨潔西的心境由藍漸漸轉紅，一點一滴滲透恐怖、不安的氛圍。
《霓虹惡魔》在視覺與聽覺的豐富性宛如一場加場版頂尖時尚秀，光是開場毫無痕跡的切換、搭配神秘氣氛的重節奏電子音樂，忽明忽滅的視覺接替，一時簡潔的色彩一時鮮豔衝突的對比色系，目眩神迷，融合復古穿著與科技感十足的動畫，揭示《霓虹惡魔》在影像呈現的創新。中後段導演加重意識型態的影像呈現比例，重複的幾何圖案，毫無邏輯的段落穿插和高飽和度的霓虹燈光，而這些視覺刺激之外的一般鏡頭，卻利用柔焦拍攝，如潔西和曖昧對象迪恩夜晚約會欣賞月亮的片段，柔和的鏡頭與大膽、黑白燈光交替閃爍的色彩鏡頭形成強烈反差。
《霓虹惡魔》除了在視覺與聽覺的刺激外，後半段更考驗觀眾對於道德尺度的極限。潔西如旋風轟動時尚圈令不少同業競爭者眼紅，電影呈現許多模特兒追求極致的美貌，用盡所有方式換取無可匹敵的面容。令人害怕的是，當這些女模特兒喪盡天良做出殺害、姦屍、鮮血沐浴等等偏方換取容顏與青春時，表情毫無驚恐，如同食物鏈般習以為常的揭露時尚圈不過弱肉強食的殘酷循環，替代、篡奪、競爭在鼻息之間不知道反覆轉折幾回，不會有人因此為殞落的哀悼、也不會有人替正義挺身而出。
縱然《霓虹惡魔》在坎城影展首映後一直呈現兩極的評價，過於意識形態的片段和尺度大膽的情節讓許多人在觀影時感到困惑或不舒適，不過導演獨特的視覺設計仍然具有可看之處。
《選老頂》為邱禮濤擔任導演、李敏擔任編劇，杜汶澤擔任監製的一部香港黑幫電影，濃厚的道上氣息，描寫黑社會派系爭鬥奪權的明爭暗鬥，也可以解讀利用黑社會題材隱喻香港政治。
《選老頂》描述著黑幫「正興會」分別有五個派系：金、木、水、火、土字堆，而火字堆的老大「豺狼」與金字堆老大「阿七」兩人為了爭奪擔任道上「坐館」職務，對上討好正興四叔父，實際掌握幫會主控權的幕後大佬，對下互相殘殺、拓展管轄區域，贏取四叔父的認可獲得正興坐館的頭銜。
《選老頂》是一部黑幫動作片，維持復古風格，黑幫逞兇鬥狠之間唯一武器都是一把又一把刀，還原早期沒有槍枝年代，近身肉搏的真實砍殺，與確確實實銳利鋒刀劃下皮膚皮開肉綻的剎那，鮮血汩汩的溫熱血腥感，是全靠一把把刀子當作武器才能營造出的真實風格。相對於黑幫們慣用的武器，在這部電影警察的角色卻全部使用槍枝，形成強烈的對比，兩相比較，黑幫不顧一切地砍殺與警察保有距離的武器，野蠻與文明、平民與官員，是值得玩味深思的一項反差，也是我認為本片巧妙安排的諷刺手法。
《選老頂》除了血腥殘暴的打鬥片段外，還有許多富有巧思的台詞讓人莞爾一笑，做足了娛樂效果，不管是配合時事或者其他電影名稱安插在台詞中，還有阿七與夜店舞女在汽車旅館偷歡，夜店舞女堅信在高潮時占卜最靈驗的戲碼，簡直荒誕到不可思議的地步卻又讓人捧腹大笑，角色尷尬又好氣的表情讓這部電影除了認真的黑道氛圍外添加許多道上江湖獨有的粗口與夜生活浪蕩又無厘頭的趣事，符合現實生活的情境。
我認為這部電影除了講述黑幫爭奪權力之外，另一項重要的元素是探討每個人面臨的「角色轉移」，阿七在監獄度過五年的歲月，出獄後的他面臨第一次擔任父親而小孩已經五歲的角色轉換，他必須收起在黑社會兇猛粗暴的性格，用溫柔去愛護一個純真的小孩，而他的小孩同樣要接受一個突然出現的爸爸，必須從只有媽媽和阿七的道上兄弟六寶照顧下體認到有一位爸爸的角色正保護著他。同樣的，六寶自己也面臨一樣的問題，從英國隻身前往香港尋找六寶，得知自己和初戀情人的女兒如今已將近成年，與阿七不同的是，他必須在女兒的突然拜訪下承擔起父親的責任。
《國定殺戮日：大選之年》是《國定殺戮日》系列的第三部續集電影，延續前兩集的傳統，《國定殺戮日：大選之年》完整呈現一個夜晚的瘋狂殺戮，毫無迴避的觀看人類如何釋放獸性，將壓抑的痛苦與暴力施加在同類身上。不過，《國定殺戮日：大選之年》這次的格局已經從第一集專注描寫一個家到第二集特寫有錢人緝捕中低階層的殺人遊戲到第三集的片名探討面臨總統大選的美國，高喊延續優良國定殺戮日傳統的執政黨迎面一位持有反對意見，因為家人在十五年前在國定殺戮日全被殺害的女參議員，提倡廢除國定殺戮日，隨著反對國定殺戮日的抗議日漸高漲，執政黨在國定殺戮日前夕撤除國定殺戮日對於政府高層免死權的法令，挑釁意味濃厚；各國遊客因為美國此節日日漸風行而促興美國在國定殺戮日的旅遊觀光業。由此可見，《國定殺戮日：大選之年》擴大格局的野心，也加入了政治因素，讓電影本身出現善惡兩端的拉扯，不再是一味讓邪惡力量不斷擴散，反而增加了實際感，符合現實社會可能出現的政治遊戲與政客敵對互相操弄的心機。
《國定殺戮日》最令人印象深刻就是節日開始出現在每個家庭電視螢幕上的全體廣播，一聲空襲警報的聲響搭配紅底跑馬燈的字幕移動，是這個系列電影的重要元素，宣告一年一度的殺人盛事的揭幕。而《國定殺戮日》另一個重要的元素就是風格鮮明的面具，從第一集咧嘴大笑的面具到第二集帶有鬼片風格的面具至第三集以美國經典人物為基礎添加恐怖元素的驚悚面具，是這部電影的另一個看頭，也是這些令人寒毛直豎的面具，為電影添加更多可怕的肅殺氣息，隔開了人類本身熟悉的面孔，換上毫無生動表情又帶著過分笑容的面具，極具誇飾又不失華麗，如同電影裡一位角色說的「國定殺戮日是成人版的萬聖節」，一場鮮豔豐盛的嘉年華會。
在前兩集已經嘗試許多華麗又新穎的殺人方法，也有各式各樣新奇又特色的殺人裝扮，觀眾對於《國定殺戮日：大選之年》一定抱持著同樣高度的期待，當然胃口在前兩集已經被養大的觀眾們，勢必需要更大場面、更多元的角色與殺人動機，才能讓這個系列電影繼續有亮眼的票房成績。我認為在服裝與道具上，《國定殺戮日：大選之年》的確有視覺上的滿足，除了上述提起的外國旅行團扮演的美國精神領袖，自由女神用螢光劑妝點表情符號夠吸睛之外，本片另一個亮點莫過於叛逆黑人青年女們花招百出，開著爬滿妝點聖誕樹的燈飾的金色亮光轎車、跩到不行天不怕地不怕的嘴臉、一襲俏麗禮服搭配中國經典左右各一包包頭，再配上一把全金閃亮亮的長槍，搖搖擺擺將車停在大馬路上嗆聲，派頭夠大、角色夠嗆、風格夠鮮明，這部電影在視覺部分充分滿足觀眾的需求，不過在暴力度與血腥度上不如第二集《國定殺戮日：無法無天》，兩相比較，《國定殺戮日：大選之年》角色雖然夠酷夠炫，不過出場時間非常短暫，換句話說，有點重看不重用，反而在第三集有較為打鬥篇幅場面的都是穿著整齊或者一般動作片會出現的衣著，對於追求暴力美學的觀眾可能較無法在這部電影感受到，不過確實可以看見這部電影在角色視覺呈現上的用心，若能兼具暴力血腥場面於這些用心的視覺設計上，想必會是暴力美學又一經典佳作。
《國定殺戮日：大選之年》在場景的安排上有許多用心之處，除了上述的角色視覺呈現之外，電影有許多穿插的片段都讓人不寒而慄，但同時又能佩服他們營造的空間感與藝術感，如同下圖一群圍繞在樹周圍一襲長白紗的人們，有人已懸掛在樹上而有人在地上緩慢悠揚的舞蹈，風格之詭異卻創造出不同於一般殺人充滿嘶吼、痛苦的飄逸輕鬆感，十分違背又非常獨特。
另一幕我印象深刻的是一位婦人在路邊長椅坐著，用嘹亮清脆的聲線輕輕高唱著，馬路旁一位男性正烈火焚燒，這個畫面卻因為歌聲讓火焰的躁動不安緩慢下來，畫面轉化得非常安靜祥和，不過回歸理性觀看卻是一場名副其實的殺人行為，讓人難以置信。
「我們並不完美，但我們才是最能控制自己力量的人。」
《美國隊長3：英雄內戰》堪稱漫威電影系列裡最多角色的個人英雄電影，有「半部復仇者聯盟」的規模，在一張張釋出的動作場景的海報，早已預告這部續集電影將帶來視覺上的豐富饗宴。
執導《美國隊長2：酷寒戰士》的羅素兄弟，為此系列帶來前所未有的動作場面，更寫實描繪美國政治上的黑暗面，讓美國隊長系列備受關注與討論。在《美國隊長3：英雄內戰》中，同樣由羅素兄弟導演，這次在動作場面更具豐富性與精彩性，除了分配角色的關鍵出場時間外，更是成功運用每一個英雄角色擁有的超能力，讓《美國隊長3：英雄內戰》的動作場面不僅爽度提升，對於漫威電影系列的角色皆有更完整的交代。另外，曾擔任剪接師的羅素兄弟，可以感受本片的剪接具有極佳的效果，打鬥場面必須具備緊湊的節奏之外，同時兼顧畫面的轉換而不致混亂是非常考驗剪接師的技巧的，而本片多場超過五分鐘的打鬥戲幾乎沒有呈現上較混亂的困擾，是眾多角色同時出場的電影中又能保持絕佳平衡的少數佳作。
“Steve Rogers（美國隊長）: I'm sorry, Tony. If I see a situation pointed south, I can't ignore it. Sometimes I wish I could.
美國隊長：我無法坐視不管讓情勢逐漸惡化，有時候我真希望自己可以。
《那些年狂熱戀情》在去年金馬影展上映，當時的翻譯為《追憶燦爛年華》，如同片名一般，這部電影展現經典法國愛情片的風格，浪漫、心碎又動人，追憶一段不朽的青春戀情。三段式的故事結構如同自傳體的敘述方式，雖然以愛情作為故事重心，仍舊依循時間軸的脈絡平穩闡述。從男主角Paul的童年、少年和青年世代如何經歷親情的變卦、歷史與政治的重大衝擊與邂逅戀人Esther的種種細節與養成。三段比重未平均分配，而三段拍攝與呈現手法皆有區隔，其中青年世代描繪青春愛情能夠窺見法國新浪潮的影子，那段叛逆、豪放又無悔的勇敢與沈溺彷彿導演和法國最迷人的一段歲月致敬。
電影第一段簡短描述Paul的童年，關於母親的悲劇造成他童年的陰影，影響著他往後對於女性細膩又疏離的態度，是電影發展的重要基礎與痕跡。
第二段導演在拍攝風格上較為冷僻，敘述Paul陰錯陽差經歷一場刺激的異國冒險，給予身份的他也在此時擁有了另一個與他同名同姓的人，時至中年才因為在機場被扣留憶起這段不羈的歲月。另外，除了在政治著墨外，歷史時空的刻畫也是這個段落的重要基礎。電視畫面播放著柏林圍牆倒塌，象徵著Paul童年的瓦解，他看見世界真實殘酷的一面，告別童年無邪的眼光，也是他邁向人類學研究的重要分界，開始追尋人生的方向，也在生理變化中尋覓愛情的種子。
第三段的是全片的主軸，Paul因緣際會遇見Esther，一個自由豪放的女孩，兩人經歷的愛情的初識、熱戀、分離和想念，經由肉體和心理的纏綿交換刻畫難忘的青春。
Paul對生命的熱情追求、Esther的浪漫消耗青春，不曾後悔，這樣的狂放揮霍在電影細緻的畫面與詩情畫意的對白中顯得深情雋永，好像青春易逝，卻動人依舊，燦爛又美麗。
《摩天樓》是英國當代最富原創性及奇幻風格的導演 班偉特利（Ben Wheatley）規模最大的作品，素有「英倫巫師」的他，改編J. G. Ballard的同名小說，呈現英國當時由柴契爾夫人治理的1970年代，看似和平穩定的資本主義社會下，建築師Royal建立充滿未來感的摩天樓，試圖解決階級問題，隨著羅伯萊恩醫生的搬入，如同第三者的視角帶領觀眾挖掘摩天樓裡所以赤裸不堪的秘密，生活於摩天樓裡創造出的階級制度以及同時感受階級之間如何相互摧毀侵蝕，瓦解並揭露烏托邦社會下，人類壓抑瘋狂的醜陋面。
《摩天樓》故事發展從中段做為分界，因為下層居民長期忍受的電力問題以及資源分配不均，逐漸醞釀出反叛、暴動的暴戾之氣。前段隨著羅伯萊恩醫生入住摩天樓，以他的視角觀看外表壯麗、充滿神秘感的高雅建築物裡的生活，帶有窺探風格的呈現，包含住戶之間歡愉的偷情、以及上下樓層不同階級的八卦與相互嘲諷，也利用羅伯萊恩醫生中產階級的身份介入上下階級的生活，看似對上對下和平相處著，其實如此上下相應交換許多訊息讓兩方原本維持的距離與制度，一點一滴無聲巧妙的產生裂縫，瀕臨接近瘋狂、失序的邊緣，身為精神外科的羅伯萊恩醫生，那副偏執、超乎常理的理性與冷靜，形同摩天樓堅實無色的建築外牆，儘管內部的有機物質如何衰敗與腐爛，陷溺在可怕的殺戮之氣與荒謬無端的性愛，仍舊切割得乾乾淨淨，像是建築體本身稜角的角度，沒有情感，沒有溫度。
「原始的生理，慾望勝過一切。」
後段的人物重心轉移至住在低層樓的電視台主持人 王爾德（Wilder），牽引著無邪單純的小孩們進入泳池干擾上層住戶舉辦的虛假高貴泳池派對，劇情的走向從此進入怪奇、炫目又充滿人類過度狂歡後的虛無感。泳池裡毫無理智的破壞，搭配導演高色度與霓虹風格的色彩呈現，和背景音樂躁動急促的鼓點引誘著摩天樓裡的人類，喚醒沈睡體內長期被制度綑綁的獸性，沒有金錢的分別也沒有身上物質商品的點綴，人類此刻剩下一個又一個裸身、原始的野蠻人，沒有道德的規範也沒有階級的標籤，他們為所欲為，瘋狂享受暴力和性愛帶來的原始快感，毫無罪惡感的愉悅和刺激性的挑戰解放住在心底的惡魔。酒精是麻醉藥，性是找到快樂的唯一途徑，這樣混濁骯髒的走廊，沾滿腥臭的體液和凝結的鮮紅血液，在忽明忽滅的昏黃燈光裡承載人類自我毀滅的重量，火焰的燃燒和泳池浮動油膩的表面，像是極端的兩種物質，人類居處尷尬交界，如同煉獄一般，只是披上金錢的文明表象，在大量人物特寫鏡頭格外殘酷諷刺。
總結來說，班偉特利（Ben Wheatley）的影像風格在《摩天樓》依然保有獨特的電影美學，雜揉懸疑、性愛、迷幻、驚悚的風格，呈現出看似發生在1970年代，卻同時具有警示意味的後現代反烏托邦的奇幻電影，其中多場羅伯萊恩醫生在四面鏡子電梯裡的獨戲極具象徵意味，如同他本身精神外科醫生的背景，四面鏡子互相堆疊的無限反射形象反映了羅伯萊恩醫生心理層面上的多重性，並非外表上恭敬有理的紳士形象，電梯賦予的獨立空間恰巧給予羅伯萊恩醫生一個紓解心理壓抑的私人空間，也是唯一他情緒失控的地點。如同鏡子呈現的重複意象，扮演貫穿電影的小孩托比手裡不斷拿著的萬花筒也在導演巧妙的呈現下，以多重交疊的切割鏡頭，複雜化和藝術化殘暴血腥的暴力畫面，形同一場以藝術之名的殺戮表演，給予骯髒手段一個轉換的空間，將其所有憤怒合理化。
《不存在的房間》是一部情感真實、渲染力極強的一部電影，由真實事件改編，女主角Brie Larson的演出生動自然，不留任何演戲的造作痕跡，也藉著這部電影獲得各頒獎典禮的最佳女主角。而一起和女主角對手演出的小男孩Jacob Tremblay，童貞率直的個性與體貼，同樣在電影留下深刻的印象，透過他大量的口白，引導故事的劇情並呈現一位五歲的兒童如何在混沌複雜的社會中，用其清澈透亮的眼眸觀看斗室之內來自天頂的唯一光亮，好似世界的紛亂都在他光明的語氣裡和平、傷痛都在他寬闊的邏輯中一一撫平。
這部電影可以從中段小男孩逃出房間之後做為分界，前半段電影聚焦在數坪大的工具室內，情感是濃烈的、母子的感情是緊密的，雖然生活在不算大的房間裡，卻擁有兩人專屬的「舒適圈」，不受社會波動的干擾和旁人躁動的輿論，母子倆分享的親情依然赤子，如同小男孩嚮往的外太空，毫無邊際的自由，在媽媽保護的陪伴之下成長，可以感受房間之內的氛圍多半陰暗（與天窗的光亮強烈對比），然而這樣的侷限反而凸顯了母子雙方情感的濃密，與後半段重獲自由的兩人，關係與情緒都和暗室之內相悖，以為呼吸自由空氣的母子能豁然開朗的面對人生，不過適應的狼狽需要時間疼痛的磨合，如同房間之門開啟之際，光亮滲透暗室的急切，瞇著雙眼的刺痛感受是兩人對於真實世界的陣痛反應，大夢初醒的殘酷現實。
對於前半段刻畫母親嚥下性侵的侮辱，一心呵護兒子，保護其不受傷害的成長感到非常溫暖、動人，在房間不受干擾的空間中形塑小孩的安然成長與母親自我痊癒的相互關係。然而，在後半段他們接觸了現實社會的吵雜與污濁後，原本屬於彼此的親情必須開始學會分攤與放手，這也是親情裡最難分解的一道課題。形式上他們因為離開了房間的拘束獲得自由，但是真正的綑綁在於走出房間之後母子面對各自人生的道路，如同剪斷臍帶的必須與分離，過程當然經過輾轉和拉扯，卻反映中文片名一般，或許不存在的房間關住的是母子創傷後面臨保護與放手的決定與艱難，唯有打開這一扇房門，他們才能擁有身心的釋放。
“Jack: It's because door's open.
Ma: What?
_poster.jpg "undefined")
《丹麥女孩》由去年奧斯卡影帝Eddie Redmayne主演，並順利再度入圍今年奧斯卡最佳男主角獎項，而近年崛起的女演員Alicia Vikander也憑著這部電影獲得奧斯卡最佳女配角。本片敘述丹麥著名畫家Einar因緣際會扮演老婆Gerda的女性素描模特兒，開始出現身分認同的自我探索，經歷許多生理與心理的轉變和對話後，不顧一切成為Lili的動人真實故事。
本片為了強調男主角在自我探索的過程轉變，許多細膩的特寫鏡頭，除了手部動作的重複揣摩之外，大量的鏡子投射呈現男主角對於女性外表的渴望以及角色扮演的衝突。男主角有意蛻變成理想的自己，卻因為外在的種種牽絆與眼光，必須重覆修正又躲藏。一段男主角進入聲色場所，倚著窗戶欣賞裸女挑逗性感的姿態，相對一般男性只為滿足生理需求滿足，Einar一個動作一個動作的學習模仿，選擇一個如此私密又晦暗的空間敞開心胸並面對內心那個屬於女人的自己，在當時保守風氣的社會下十方令人同情，孤獨。
"Einar Wegener: I think Lily's thoughts, I dream her dreams. She was always there."
《丹麥女孩》雖然取景優美細膩，演員演技非常動人精準，但比較可惜的地方在於劇本的安排，始終覺得男女主角的情感連結不夠深刻，各自的演出各自精彩，不過兩人從夫妻生活逐漸轉變為互相扶持的同性關係的少了些重要的情緒刻畫，Gerda從原本希望老公可以重返她的身邊到後段選擇支持Lili的決定，這之間的變化隨著劇情過多細節交代之下反而顯得微弱不少，情感面上的交代略顯薄弱、突兀，是我認為本片較可惜的部分。
《丹麥女孩》中男女主角的演技是無庸置疑的，Eddie Redmayne細膩呈現出男主角渴望變為女性的心境，從眼神嬌弱的迴避到害羞閉俗的神情，在大螢幕上絲毫不刻意的演出相當傳神。女配角則是成功扮演襯托的角色，不但沒有搶了男主角的風采，反而在重要的時機與情感上的支持具有畫龍點睛的效果。本片的調性相當「女人」，從芭蕾舞裙的陳列和影片細節呈現的強烈女性色彩，成功支撐這部電影響要傳達的理念，也讓電影本身更具說服力。
